特别报道 | 中国歌剧舞剧院：民族舞剧的突围

陶诚：民族歌剧和民族舞剧可以说是舞台艺术中的“重工业”，不仅前期创作投入大、周期长，而且后期演出阵容大、费用高，很多剧院出于各方面原因的考虑，往往多排演一些歌舞晚会来迎合市场。

中国歌剧舞剧院是中央直属院团里规模最大、艺术门类最多的国家级艺术剧院，剧院历史可追溯到延安鲁迅艺术学院，自成立以来就肩负“民族歌剧”和“民族舞剧”两项主业使命。自2014年以来，习近平总书记关于文艺工作的系列重要讲话为我们指明了前进方向，剧院深入贯彻落实讲话精神，将民族歌剧和民族舞剧的大旗高高举起，充分发挥剧院的优势，复排、新创近20部作品，超过过去10年总和，艺术质量和影响力大幅提升。

舞剧《李白》中国歌剧舞剧院演出

舞剧《孔子》中国歌剧舞剧院演出

陶诚：作为国家艺术院团，我们聚集了更多的优秀艺术家，拥有更丰富的社会资源，将社会效益放在首位责无旁贷。同时，也清醒地认识到没有经济效益，也就没有观众，无法产生社会效益。因此，我们借鉴广东改革开放前沿的经验——借船出海，在保证艺术品质和意识形态正确性的前提下，积极探索与地方党委、政府、大型国有企业的合作模式。我们借助他们的市场优势力量把剧院的品牌立起来、扩大知名度，他们借助我们的艺术平台进一步挖掘文化底蕴、提升产品品质。

剧院的品牌和人才汇聚的效应，不仅保证了新作舞剧的艺术品质，而且能够给更多人才提供展示的舞台。经过近几年的发展，剧院的受众面越来越广、影响力越来越大，经济效益也在逐年递增，不仅保证了国有资产的保值增值，而且形成良性循环，实现了社会效益和经济效益相统一。

陶诚：院团管理是一项复杂的系统工程，要平衡好精细管理、创作生产以及市场运营的关系，既要懂管理、懂专业，也要懂经营。我们每推出一部新作品，都有自己的综合考量，坚持“思想精深、艺术精湛、制作精良”相统一。

首先是思想性。一部作品能否长久地演下去，不在于好人好事的刻板说教，而在于是否传递出一个国家的精神、价值、追求，是否能够被今天和未来、国内和国外的观众所普遍认同、接受。当前剧院主要坚持两条创作主线:一是红色记忆的革命题材，比如《白毛女》《小二黑结婚》《恰同学少年》;二是优秀传统文化题材，比如《孔子》《李白》《赵氏孤儿》《昭君出塞》，这些剧目在国内外都能演，而且能长期地演下去。

舞剧《昭君出塞》中国歌剧舞剧院演出

其次是艺术性。一是舞剧中是否有能被人记住的舞段，比如《孔子》中的《采薇》《书简》等，无论是幼儿园小朋友，还是美国大学生，老百姓都跟着跳，这就是生命力;二是舞剧中是否有能被人记住的旋律，旋律要朗朗上口，便于记忆，旋律被记住了，舞蹈就能被记住，这个舞段就能被留下。

最后是观赏性。把人民作为文艺审美的鉴赏家和评判者，这就要求我们必须站在观众的角度进行思考，关注观众的现实需求。舞剧创作要符合当代观众的审美体验，用最前沿的先进艺术手法去引领审美，增强演出效果。同时，还要符合现代观众的观演习惯，结构紧凑、一气呵成，不宜过于冗长。剧院的舞剧演出基本控制在90分钟，演出中一般不安排休息，结束时恰到好处，给观众意犹未尽之感。

陶诚：一部舞台艺术作品只有经过反复地打磨、提高，才有可能攀高峰、成经典，然而，当下很多作品都很难做到这一点。尤其是地方院团为了能够创作出反映当地民风的艺术精品，由于自身的创作能力不足，只能向全国招募主创，从而产生了“飞行导演”“高铁主创”。几乎全国的大剧都出自为数不多的几位编导手下，主演也是“借”的，不仅临时搭建的主创班子具有不稳定性，而且也难以在不断的演出过程中反复修改提高;另一方面，主创的雷同也容易导致风格相似，难以真正体现出地方特色。

一部舞台艺术作品，如果演出20场、50场，社会上能看到这个作品的观众微乎其微，哪怕是演100场，社会观众也是凤毛麟角。以国家大剧院最大的剧场1800个座位来计算，100场最多也就18万观众，对于北京乃至全国来说，就像往大海里丢了个小石子一样，影响力非常有限，至于演十几场、几十场就“刀枪入库”的舞剧，很难做到深入人心、产生大的社会效益，更不可能成为精品、经典。

陶诚：我们始终把满足人民精神文化需求作为工作的出发点和落脚点。舞剧演出的时候，尤其是新剧，我的注意力不仅在台上，而且在台下，主要是观察观众的反应。比如说有一段观众开始去洗手间、看手机、聊天了，肯定是吸引力不够，剧情线断了，我们下来以后肯定是要一起商量看出了什么问题，回去之后做一些调整。

孔德辛：其实《孔子》刚刚创作出来的时候争议还是挺大的，但一直以来，整个主创团队包括剧院都在听取各方的意见，然后一点一点进行修改，边演边改：人物的内心表现、人物和人物之间的关系、舞段和舞段之间的关系、幕与幕之间的关系......都在不断调整和修改。之前有一段特别好看的傩舞，现在网上还有很多粉丝问“我们以前还能看到这个舞段，怎么现在没有了”?那没有办法，舞段再好看，如果脱离于全剧就是多余。

许宁：作为国家艺术院团，我们坚持以人民为中心，用精品奉献人民。对于大多数观众而言，看到以舞台表演艺术为主要呈现形式的艺术院团，他们首先关注的是阵容，演员形象的优劣直接影响到观众的观演评判标准，这是大多数普通观众的审美习惯。因此，自2008年以来，我们不断优化人才选拔标准，实践证明我们是对的。

如何让舞剧作品为老百姓所喜闻乐见，我们一直都在“培土壤，架桥梁”，让广大观众能够欣赏得来舞蹈艺术的美。

许宁：创新，一定是在传承优秀传统文化基础上的再延伸、再创造。比如《孔子》的音乐，一定要有传统文化的元素，还要有既能打动人心、又符合这个人物气质的主旋律，兼顾民族特色和国际化。服装、造型一样要在传统基础上创新创意，学习日韩动漫那种大胆的想法、对颜色的极致运用。在舞蹈编排上，要求编导不断创新，精准地定位当下老百姓能欣赏和接受的舞蹈样式、语汇及表达方式。

中国歌剧舞剧院舞剧团业务考核
供图 / 中国歌剧舞剧院

陶诚：艺术家对于艺术性的追求和老百姓的喜闻乐见并非完全对立的关系，作为国家艺术院团需要发挥其组织力和控制力，实现宏观方向上的把控和引导：要把老百姓的审美往上带，同时也要让艺术家在创作过程中有意识地让老百姓看懂，毕竟艺术的审美存在一个“共识”的维度;相反，如果观众看不懂，就说明你“讲”的方式不对。因此，我们要相信观众，要逐步培养观众的艺术欣赏能力，艺术家绝对不能以自己的评判来代替观众的口碑。

许宁：长期以来，由于院校学科独立性所导致的学科壁垒，使得院校给我们输送的人才会“缺斤少两”。剧院用人的话都是跳舞剧，我们把对演员全面业务能力的培养放在首要位置。

把舞蹈演员变成舞剧演员是一个漫长的过程，好的舞剧演员是非常全面的，什么角色都能胜任。因此，我们为演员设置的课程丰富，什么舞种都要接触，甚至学习太极、街舞等，帮助演员全面进步和提升。而针对演员个人情况的不同，我们会针对性地请专家一对一，或者一对几地上小课，也会定期请剧院里老一辈的艺术家向年轻演员传授经验。此外，现在我们和院校合作，一起探索怎么培养真正的舞剧人才。

许宁：时下舞剧创作比较流行邀请知名编导，结果造成一种局面：编导不问质量到处接活，这样肯定不行。我们剧院任人唯能,锻炼了一批有才华的年轻人并为他们提供施展才华的平台，他们能全身心投入，专注地“扎”下去，集体创作发挥团队的力量，在创作的每一个环节上都凝心聚力。

中国歌剧舞剧院舞剧团业务考核
供图 / 中国歌剧舞剧院

孔德辛：《孔子》这个剧可以说是我跟剧院的一拍即合，当时提出来之后，本以为要很长时间，最起码我觉得可能需要对我有一个考量，但没想到很快，一个星期部里就立项了。当时我还是一个完全不知名的普通导演，真的是拉着身边的一群年轻主创们一年时间只干这一件事，一起认认真真、一点一点地“死嗑”出来的。我带着两个编导，每天排练完之后赶到望京张渠的工作室九点钟，然后第二天早上五点钟回家，通宵通宵地这样“干活”做音乐，有一次张渠家隔壁的邻居敲门说“哥们，你能不能换首歌，一个星期单曲循环都要听崩溃了”......跟刘春也是，刚开始的时候我说请他写舞剧《孔子》的剧本，他说让我别吓他，“一上来就写舞剧剧本，还是孔子，简直太恐怖了”，这个本子我们也是不停地改，光前期大的调整就至少改了五六稿。

中国歌剧舞剧院舞剧团业务考核
供图 / 中国歌剧舞剧院

胡阳：大舞剧更多是集体意识的表达，而作为艺术家应当有个人表达的空间，在这一方面，我觉得作为院团能够给年轻人以个人创作的机会和支持，这一点是很难得的。在剧院的支持之下，我和李世博都创作过小剧场作品，并且剧院不仅给我们提供资金的支持，还给团队(排练教室、演员、演出场地、演出平台、配套宣传)的支持，这对于年轻人来说是一个很好的实践和学习的机会。